‘Kağıt Üzerine Resimler’: Oslo Ulusal Müzesi’nde yeni ve samimi bir Rothko sergisi açılıyor

Zor zamanlarda Mark Rothko’nun sanatında soluklanma sağlayan bir şeyler vardır.

İkonik dikdörtgen renk alanları (doku katmanlı, canlı boş alanlar) odak noktamızı emer ve duygularımızın garip bir şekilde güven verici şekillerde dolaşmasına izin verir. Belki de Rothko’nun şu anda Avrupa’da yeniden canlanmasının nedeni budur.

Geçen yıl Louis Vuitton Vakfı’nın sunduğu ilk retrospektif1999’dan beri Fransa’da çalışmalarına adanmıştır.

Şimdi sıra Norveç’te: 20. yüzyıl soyut sanatçısının kağıt üzerine daha az bilinen eserlerine adanan büyüleyici yeni sergi, 16 Mayıs’ta Oslo’daki Ulusal Müze’de açılıyor.

Mark Rothko

İlk çalışmalarından üretken son yıllarına kadar zarif bir şekilde ilerleyen bu eser, dünyanın en ünlü sanatçılarından birinin üzerindeki bulanık kenarlı katmanları kaldırarak sanatçının kendisinin daha samimi bir resmini sunuyor.

Ulusal Müze Küratörü Øystein Ustvedt, “Rothko Yahudi bir aileden geliyordu ve hayatının erken dönemlerinde zulme maruz kaldı ve daha sonra ailesi günümüz Letonya’sından Amerika Birleşik Devletleri’ne göç ettiğinde yabancılaşmaya maruz kaldı. Holokost’a uzaktan tanık oldu” diyor.

“Bu arka plandan ortaya çıkan, duygu, atmosfer ve keder ve trajedi dahil olmak üzere duygusal durumlarla dolu soyut resimlerdi. Bu, onun resimlerini tarif edilemez derecede güzel bir şekilde ifade edici kılan şeydir.”

Üretken bir kağıt izi

En çok büyük ölçekli tuvalleriyle tanınır; Rothko’nun dikdörtgenleri savaş sonrası sanatın en önemli örneklerinden bazılarını temsil ediyor.

Ancak Rothko hayatı boyunca kağıt üzerine bine yakın resim yaptı. Bunlar daha küçüktür ve duygu açısından daha samimidir; duygu ve ambiyans açısından zengin bir ifadeye sahiptir.

Ulusal Müze, Washington DC’deki Ulusal Sanat Galerisi ile işbirliği içinde, çoğu sanatçının 1968’de neredeyse ölümcül bir kalp krizi geçirmesinden sonra tamamlanan bu kağıt izine ışık tutuyor.

Doktorunun stresi azaltma (ve yüksekliği kırk inçten fazla hiçbir şey boyamama) yönündeki emirlerini yerine getiren Rothko, her zamanki son derece iddialı sanatsal tarzının fiziksel ve zihinsel talepleri olmadan, kendini ifade etmenin bir yolu olarak kağıda yöneldi.

Böylece, malzemenin çok yönlülüğü ve daha küçük yüzey alanı sayesinde çok daha hızlı çalışmasına olanak tanıyan sanatçının hayatının en verimli dönemlerinden biri başladı.

1968’in sonuna gelindiğinde kağıt üzerinde 120’ye yakın resim tamamlamıştı.

Mark Rothko, İsimsiz, 1969, Ulusal Sanat Galerisi, Washington

Kahverengi ve grinin derin, koyu tonları, beyaz bir kenarlığa doğru sızan kozmik moru ve mavileri yutuyor; bu daha sonraki çalışmaların tanımlayıcı özelliği.

Bu tür melankolik tonlar, pek çok kişinin, bunların Rothko’nun o dönemdeki azalan zihinsel sağlığının bir yansıması olduğunu, 1970’teki intiharının ise her türlü anlam arayışına uzun bir gölge düşüren bir hayalet olduğunu düşünmesine yol açmıştır.

Tabii ki, kasvetli veya kanlı renklerden oluşan büyük bir uçuruma bakıp depresyon eklemek çok basit. Bunun yerine, bu sergi, Rothko’nun bu dönemde yaptığı diğer, daha hafif çalışmaları, özellikle de pastellerini sergileyerek, Rothko’nun duygularına bir denge ve nüans duygusu sağlıyor.

Mark Rothko, İsimsiz, 1969, Christopher Rothko Koleksiyonu.

Yumuşak, pamuk şekeri pembeleri ve kirli gök mavileri, köpüklü gri-beyazla tamamlanıyor; bunlar insan duygularını oluşturan karmaşık renk paletini hatırlatıyor.

Rothko’nun sanatının gerçek gücü, onu gördüğümüzde aklımızdan geçenleri deşifre etmekte yatıyor. Bu, asla bize nasıl hissedeceğimizi anlatmaya çalışmayan, bunun yerine kişisel duygularımızın sürüklenip dans edebileceği ve bir bağlantı duygusu bulacağı alanlar yaratmayı uman bir sanatçı.

Ulusal Müze Eğitim Küratörü Karianne Ommundsen, “Rothko samimi ve insani olmayı ve izleyiciyle doğrudan iletişim kurmayı istedi” diyor.

“Resimleriyle karşılaştığınızda, onların tam etkisini hissedebilmeniz için onların önünde biraz vakit geçirmeniz gerekiyor. Bunlar, güçlü duygu ve yakınlık uyandırma konusunda eşsiz bir yeteneğe sahip eserler.”

Suluboya başlangıçları

Mark Rothko, Yıkananlar, 1934, Ulusal Sanat Galerisi

Kağıt, yalnızca Rothko’nun sonraki yıllarının ayrılmaz bir parçası değildi, aynı zamanda kariyerine nasıl başladığı da önemliydi; çoğunlukla sanatçıya, onun süreçlerine ve yaratıcı evrimine benzersiz kişisel bir bakış açısı sunan özel, figüratif suluboyalar aracılığıyla.

Çıplak kadınların bulanık kıvrımlarından kumsaldaki vücutlara, ayrıntıları boyayla bulanmış bedenlere kadar, bu ilk deneysel parçaların hiçbir zaman halka gösterilmesi amaçlanmamıştı, ancak asla atılmaması nedeniyle Rothko için açıkça değerliydi.

Bazen basit, bazen gerçeküstü olan bu eserlerin her biri, gelişen New York sanat ortamında kendi yerini bulmaya çalışan bir sanatçının iç yüzünü anlatıyor.

Mark Rothko, İsimsiz (iç mekanda oturan figür), c. 1938, Ulusal Sanat Galerisi

Özellikle 1938 tarihli bir suluboya, mavi tenli, pembe saçlı bir varlığın portresine hayran kalmış bir kişiyi tasvir ediyor. Bir tablonun içindeki tablonun parlak, haşhaş paleti, etrafındaki toprak tonlarını aydınlatıyor, her şeye hayat veriyor gibi görünüyor; sanat ve izleyici arasındaki dönüştürücü ilişkiye dair olası bir yorum.

Rothko’nun 1959’da LIFE dergisine verdiği bir röportajda “Resim bir deneyimin resmi değil; bir deneyimdir” sözü meşhurdur.

Bu deneyim, burada, Rothko’nun kağıt çalışmalarının kişisel unsurları aracılığıyla büyük ölçüde zenginleştirilmiştir; bu, kariyeri boyunca bir zaman çizelgesi çizen ve onun en ünlü eserlerinin temel, bağlamdan bağımsız hedeflerinden uzaklaşmayan bir keşiftir.

Turuncu bir tepsi üzerinde iki parlak kırmızı dikdörtgenin önünde dururken duyular bir an için yutulur ve Rothko bize bir kez daha basit bir şekilde bulunabilecek gücü hatırlatır. hisbir şey.

‘Mark Rothko: Kağıt Üzerine Resimler’, 16 Mayıs – 22 Eylül 2024 tarihleri ​​arasında Norveç’in Oslo kentindeki Ulusal Müze’de sergileniyor.